VERSO UN’ARTE BAROCCA. ROMA AL TEMPO DI CARAVAGGIO

Nella mostra Roma al tempo di Caravaggio, allestita fino al 5 febbraio a Palazzo Venezia, la curatrice Rossella Vodret e lo scenografo teatrale Pier Luigi Pizzi si sono proposti di ricostruire, attraverso ben 140 quadri, la scena artistica romana tra l’Anno Santo del 1600 e il 1630. Non si tratta di una mostra su Caravaggio – infatti c’e un solo suo quadro allestito, a parte un Sant’Agostino di recente ma dubbia attribuzione – ma di un’ ampio sguardo su questo trentennio romano che prende in considerazione soprattutto tutti quegli artisti in passato rimasti in ombra rispetto al grande eroe pittorico lombardo.

L’allestimento è sontuoso. Lo scenografo teatrale Pizzi crea gli elementi per una rappresentazione fastosa che non solo esalta i singoli quadri, ma ricostruisce la loro collocazione originale. Le opere provenienti da luoghi pubblici sono istallate sopra degli altari e incorniciate da colonne in finto marmo.

Il filo conduttore della mostra si spiega nella prima stanza. Due quadri, stessa datazione, ca. 1604, e stesso soggetto, la Madonna di Loreto, dipinti dai due artisti più importanti del trentennio: Caravaggio e Carracci. I due artisti affrontano l’argomento in modo completamente diverso eppure condividono lo stesso obiettivo: superare l’artificialità del Manierismo e riprendere un modo di dipingere più vicino alla realtà oggettiva, ritenuto unico mezzo atto a rappresentare il nuovo mondo all’inizio del Seicento. Caravaggio lavora con un metodo empirico talmente veritiero da creare un naturalismo violento. La sua Madonna, bellissima, recante i tratti di una nota amante del pittore, si affaccia dalla Casa Santa, dall’architettura sbrecciata e dissestata, con suo figlio, un Gesù pesantissimo tra le braccia della madre e di cui anche noi involontariamente avvertiamo il carico. Caravaggio in primo piano ci confronta con i piedi dei pellegrini, gonfi, sporchi – veritieri. Girandoci verso l’altra parete ci troviamo invece davanti alla Madonna di Carracci e davanti al suo naturalismo che potremmo definire mansueto. L’artista bolognese ha perseguito una formazione accademica e si vede; la sua rappresentazione della Madonna vive di assialità e simmetria, con chiaro riferimento ad un classicismo di matrice raffaeliana. Carracci è più ordinato e “pulito” di Caravaggio, ma anche privo della sua drammaticità catturante.

La mostra a Palazzo Venezia gioca proprio su questi due atteggiamenti pittorici presenti a Roma negli anni che precedono il pontificato di Urbano VIII e preparano la strada per il barocco: classicismo carracciano da un lato, e naturalismo caravaggesco dall’altro. Le successive sale dimostrano, con opere di numerosi contemporanei e successori di Caravaggio (Guercino, Lanfranco, Orazio) e Carracci (Guido Reni, Domenichino), ma anche con i grandi favoriti dalle committenze papali, Cavalier d’Arpino e Baglione, le diverse reazioni alla proposta dei due grandi maestri.

Entrambi gli atteggiamenti pittorici convivono nell’opera Susanna e i Vecchioni di Artemisia Gentileschi, che da un lato riprende un forte rigore accademico – per esempio nella composizione diagonale – e dall’altro la drammaticità caravaggesca. Susanna, nuda e bellissima, si ripara inutilmente dagli sguardi avidi dei vecchioni ed è vittima pallida e indifesa, esprimendo, allo stesso tempo, una forte carica erotica. Gli artisti a Roma al tempo di Caravaggio hanno imparato e assimilato la lezione dei loro maestri e fanno arte “viva”, essi sono capaci di tradurre in pittura la propria visione che cerca di avvicinarsi il più possibile alla realtà più oggettiva.